Escher hasta la eternidad

No me he complicado mucho en crear el título. Hace tiempo visité el museo Maurutius Cornelius Escher en La Haya. No estaba en la agenda. De hecho llovía y el plan de visitar Madurodam no resultaba tan atractivo. Mirada rápida al mapa y, de repente, aparece como de la nada la referencia a este museo.

Comimos algo rápido y entramos. El trabajo de Escher ya me era familiar. Recuerdo que sus dibujos no me eran desconocidos pero fue un día, hablando con Pepe, cuando tomé conciencia del nombre y de la obra.

Creo que hablamos sobre este diseño en concreto.

El entorno es una casa palaciega que la Reina Madre Emma compró en 1896 y en el que se estableció el 1 de marzo de 1901. Hasta su muerte en 1934 este fue su palacio de invierno. Hasta 1991 trabajaron en este palacio las tres reinas que la sucedieron, Guillermina, Juliana y Beatriz, la actual reina. Para hacerse una idea de la decoración de la época, se han colocado en los que fueron aposentos reales de la planta baja y el primer piso, grandes fotos en los vanos de los ventanales. En otros puntos hay información como en el salón verde, la sala de baile o el dormitorio de Emma.

El caso es que mi hermana, a la sazón mi acompañante, es profesora de matemáticas. Estuvo explicándome que tomaba algunas de sus imágenes para explicar matemáticas.
La obra de Escher hace referencia a dos grandes temas: la eternidad y el infinito. En sus creaciones lo encontramos repetidamente.
Para la eternidad nos muestra conceptos clásicos del mundo de las artes plásticas, como la naturaleza y la perspectiva. De hecho en una de las últimas salas se puede jugar con unos escenarios en perspectiva y con la multiplicidad de imágenes pero no nos dio tiempo. El infinito encuentra su expresión en la teselación (división regular del plano) y otras representaciones matemáticas.

La exposición es muy completa. Cuadros y aguafuertes desde sus primeros a sus últimos trabajos, incluyendo piezas emblemáticas conocidísimas del autor o la representación del mural de 7 metros "Metramorfosis III". En las vitrinas se pueden ver fotografías personales y la exposición sigue un orden cronológico, por lo que se aprecia muy bien el cambio entre sus momentos de obsesión por la imagen con los de la obsesión por el espacio y el infinito.

Yo diría que es recomendable la visita para aquellos que se hayan ya visto atraídos por su obra. Tengo que decir que, además, dejan hacer fotos sin flash.

De Van Eyck a Durero

Hoy no parece ser un gran día. Un bandazo de aire se ha llevado el cristal de la puerta del salón y recogiendo los cristales se me ha quemado el cazo en el que me estaba preparando el desayuno. Por eso mismo debería estar llevando los cristales al punto limpio pero he preferido relajarme preparando un par de entradas y cambiar la mente por un rato.

Hace más de un mes fui con mis queridos Steve y Nerea a Brujas. No soy muy fan de la ciudad después de haberla visitado tantas veces lo cual no impide que reconozca su encanto. Esta vez la visita fue ex profeso para visitar la exposición sobre los llamados primitivos flamencos "Van Eyck tot Dürer" en el museo de arte flamenco.

Caronte cruzando la laguna estigia de Joachim Patinir

El recorrido por la época es muy extenso. Empieza con unas miniaturas que se ven con una lupa, pasando por escultura, pero lo que realmente se muestra son cuadros de los grandes maestros de la época. Me sorprendió ver cuadros de maestros alemanes que en la exposición tenían la intención de demostrar la influencia de los pintores flamencos más allá del área política, cosa que normalmente no lo ves en los libros de historia del arte. Tal vez los dibujos de Martin Schongauer fueron los que más me impactaron en ese aspecto. Durero también era alemán pero no me impresionó tanto por la cantidad de grabados que ha hecho que prácticamente puedes ver en cualquier museo importante del mundo y los ojos ya se han acostumbrado a reconocerlos; no hay el encanto del descubrimiento.

Cuadro de Miguel Angel a partir de un grabado de Martin Schongauer

El tiempo ya ha borrado algún otro nombre, en especial el de un pintor conocido por sus retratos pero del que me impresionaron sus pequeñas piezas paisajísticas. Tendré que volver a visitar la casa de mis acompañantes para buscar el nombre y los cuadros, ya que se llevaron un magnífico libro de la exposición.

Goya, Redon, Ensor, El arte de lo grotesco.

El domingo, por fin, fui a visitar la exposición de mi paisano en el museo de bellas artes de Amberes junto con Jose.

Bajo el título "Goya, Redon, Ensor groteske schilderijen en tekeningen" nos encontramos a tres pintores que, a mi parecer, nada tenían que ver.
Primero reseñar que la audioguía costaba 2 euros. Nos los ahorramos a costa de ignorar la historia más allá de un panfleto / Fotocopia que distribuían a la entrada en inglés, francés, holandés y alemán. La entrada al museo y la exposición nos costó 6€ a los mayores de 26 años.

La sala 1 y 2 las dedican a Goya en exclusiva. Una mezcla de grabados de los disparates y los proverbios totalmente desangelada y con faltas de ortografía. Cuando digo desangelada me refiero a que no hay un orden o un hilo que te haga ver la pretensión del autor o de la exposición, puesto que mezclan grabados grotescos con grabados de grupos de gente (véase en el link los números 11 y 12, por ejemplo).
A lo largo del resto de las salas se mezclan piezas de Redon y Ensor con obras de Goya procedentes de los fondos belgas, el museo Lázaro Galdeano, el Museo de arte moderno de Frankfurt, alguno del de Nueva York y un par de obras del Prado, entre las que está la famosa Gallina Ciega (y el grabado número 12 del link anterior junto a ella). Me hizo ilusión encontrarme con El Afilador del museo de bellas artes de Budapest, que es uno de los cuadros más tranquilos de las famosas pinturas negras.

Traduzco de la guía "James Ensor fue un admirador del arte de Goya. Durante la visita al museo de Bellas Artes de Lille en 1884, Enzor se vio deslumbrado por su "Tiempo de una vieja", una pintura mostrando dos horribles mujeres"
James Ensor es conocido por sus representaciones de enmascarados. Para ser sincero me interesó muy poco su pintura y me pareció más interesante su dibujo y su trabajo en lapicero. El valor de este pintor, imagino, procede de ser el precursor del surrealismo belga que se acerca más a la ironía y esperpento visual que al propio surrealismo como yo lo entiendo. Un concepto surrealista diferente del que me tienen habituado en un país donde el modernismo y el Art Decó eran los estandartes culturales a seguir.

Más interesante me resultó Odilon Redon. También traduzco "Odilon Redon publicó un grupo de impresiones como tributo a Goya. Se trata de 6 litografías al agua fuerte que son reminiscencias de las misteriosas y oscuras series de grabados del español, Los Disparates. Fue este homenaje a Goyael que se exhibió en 1886 Salón de Bruselas del grupo Los XX, que asentó el nombre de Redon en los círculos artísticos belgas".
Redon tiene varias etapas, y la etapa negra u oscura, dependiendo del traductor, muestra esta inquietud por el Goya atormentado y por la lectura de Edgar Alan Poe. Una suerte que también mostraran un cuadro como Le Silence que, con su serenidad, alimentó las ganas por curiosear en este artista.

La exposición en sí no la considero bien montada. La última sala no era de mi agrado por la iluminación y disposición, y en la sala 7 repiten una obra de Goya que ya estaba en la sala 2. Había una obra sin identificar y reitarar el problema de las faltas ortográficas. A pesar de todo, el descubrimiento de Redon en lo artístico y de Ensor en lo que a la historia del arte belga se refiere han hecho que considere el dinero de la entrada como bien invertido.